나는 오래된 VHS 테이프를 매개로, 시간의 퇴적층을 들추듯 누군가의 일상과 마주한다. 이 아날로그 매체는 과거의 기술을 통해 현재를 복원하고, 미래에 대한 감각을 역행하며 되묻는 장치로 기능한다. 나는 누군가의 일상을 기록한 VHS 테이프를 수집했고, 거기에 또 다른 시공간의 누군가를 연출하여 덧입혔다. 허구와 실제의 경계가 교묘히 얽힌 테이프들을 관객 앞에 내놓는다. 그들은 갤러리 한 켠에 마련된 장치 앞에서 직접 테이프를 골라 재생 버튼을 누른다. 그 버튼을 누르는 순간, 타인의 삶이 열리고, 시간의 문이 열린다.

우리는 영화를 볼 때 타인의 삶을 엿본다. 어쩌면 영화는 고도의 합법적 관음이며, 시청각적으로 정제된 일기장이다. 그러나 나는 극장이 아닌 이 제의적 공간 안에서, ‘진짜 삶’이었을지도 모를 VHS의 파편을 틀게 한다. 관객은 누군가의 실제 혹은 조작된 일상을 감상하는데, 그 장면은 언제나 우연히 시작되고 뜻밖에 끝난다. 장면은 튀고, 노이즈는 감정을 건드린다. 영상 속 사람의 웃음이나 말소리, 카메라를 들고 찍는 이의 숨결마저 필터 없이 다가온다. 그 불완전함에서 오는 진동은 해리티지로, 노스텔지어로, 존재의 증명으로 관객의 감각을 자극한다.

나는 그 행위를 다시 되비춘다. 비디오를 보는 관객의 모습을 CCTV로 촬영하여 전시장 입구에 프로젝션한다. 이 이중의 감시와 감상이 만들어내는 구조는, 관람자조차 또 다른 피관찰자가 되는 전복의 순간을 낳는다. 이는 단순한 설치물이 아니라, 타인의 삶을 들여다보며 자기를 되비추는 의식의 통로이자, 무수한 시선과 감정의 중첩이다.

여기서 나는 ‘심리적 노출’이라는 감각에 집중한다.사람은 종종 꿈에서 벌거벗은 채 거리를 걷거나, 누군가에게 감춰두었던 나약함이 들킨 듯한 장면을 경험한다. 이러한 장면들은 단순한 상징이 아니다. 그것은 우리가 일상에서 경험하는 수치심, 당혹감, 고립감, 혹은 감정의 붕괴를 은유적으로 드러내는 무의식의 재현이다. 나는 이 ‘심리적 노출’을 ‘신체적 노출’이라는 은유적 장치로 치환해 영상 안에 풀어낸다. 카메라는 어떤 인물의 등을, 목덜미를, 손끝을 응시한다. 단절된 프레임 속에서 신체는 완전한 노출이 아닌, 감정의 파편으로 드러난다.

그것은 배우의 감정이기도 하지만, 작가인 나 자신의 기억이기도 하다.나 역시 살아오며 부끄러움, 불안, 노출에 대한 두려움을 수없이 경험해왔다. 타인의 시선 앞에서 움츠러들고, 기억 속 어딘가에 봉인된 과거의 순간이 불쑥 되살아날 때, 나는 그 장면을 숨기고 싶기도 하고 다시 들여다보고 싶기도 했다. 이 작업은 그런 감정들에 대한 솔직한 응시이며, 나 자신을 실험대 위에 올려놓는 일이기도 하다. 내 안의 불안은, 결국 관객의 불안과 마주하고 맞닿는다.

이러한 장치를 통해 나는 관객이 한 사람의 삶의 단편에 침잠하면서, 자신의 삶 역시 누군가에겐 기억될 만한 이미지일 수 있다는 것을 함께 공감 해 주길 바란다.. 결국 이 모든 작업은, 삶의 가장 하찮아 보이는 순간조차 어떤 영원의 형상으로 남을 수 있다는 믿음에서 출발한다. 어쩌면 VHS는 사라지는 기술이 아니라, 우리가 잊은 감각을 소환하는 마법의 기계일지도 모른다.

Through the medium of old VHS tapes, I encounter the fragments of someone’s daily life, as if unearthing the sedimentary layers of time. This analogue medium functions as a device that restores the present through past technology, while simultaneously retrogressing and questioning our sense of the future. I have collected VHS tapes that recorded the mundane lives of others and overlaid them with staged scenes of individuals from different spatiotemporal dimensions. I present these tapes—where the boundaries between fiction and reality are subtly intertwined—to the audience. Standing before a device set in a corner of the gallery, the viewer selects a tape and presses 'Play.' At that moment, another's life unfolds, and a gateway to time opens.

When we watch a film, we glimpse into the lives of others. Perhaps cinema is a highly sophisticated, legal form of voyeurism—a visually and aurally refined diary. However, within this ritualistic space, rather than a theater, I compel the audience to play fragments of a VHS that might have been ‘real life.’ The audience observes a daily routine—whether authentic or fabricated—that begins by chance and ends unexpectedly. The footage skips; the visual noise stirs emotion. The laughter and voices of the people in the video, and even the breath of the person holding the camera, reach the viewer without any filter. The vibration arising from such imperfection stimulates the viewer's senses as a form of heritage, nostalgia, and a testament to existence.

I reflect this act once more. The audience members watching the video are captured by CCTV and projected onto the gallery entrance. This structure of dual surveillance and observation creates a moment of subversion, where the observer becomes the observed. This is not merely an installation; it is a ritualistic passage through which one reflects upon oneself while peering into the life of another—a superposition of countless gazes and emotions.

Here, I focus on the sensation of ‘psychological exposure.’ People often dream of walking the streets naked or experience scenes where their hidden vulnerabilities are laid bare. These scenes are not simple symbols; they are subconscious representations that metaphorically reveal the shame, bewilderment, isolation, or emotional collapse we experience in our daily lives. I transpose this ‘psychological exposure’ into the metaphorical device of ‘physical exposure’ within the video. The camera gazes at a subject’s back, the nape of their neck, or their fingertips. Within the disjointed frames, the body is revealed not in total exposure, but as fragments of emotion.

These represent the emotions of the actor, but also my own memories as an artist. Throughout my life, I have repeatedly experienced shame, anxiety, and the fear of exposure. Shrinking before the gaze of others, or when a moment from the past sealed in memory suddenly resurfaces, I have felt the conflicting urge to hide that scene and to scrutinize it once more. This work is an honest gaze directed at those emotions and an act of placing myself upon the experimental table. The anxiety within me ultimately meets and resonates with the anxiety of the audience.

Through these devices, I hope the audience, while immersed in the fragments of a single life, can empathize with the idea that their own lives may also exist as images worthy of being remembered by someone. Ultimately, all of this work stems from the belief that even the most trivial moments of life can endure as an image of eternity. Perhaps the VHS is not a vanishing technology, but a magical machine that summons the senses we have forgotten.

1    노출

  낡은 서랍장을 정리하다 우연히 오래된 사진 한 장을 발견할 때가 있다. 흐릿한 테두리와 바랜 색감 속에 담긴 장면은 분명히 과거의 모습을 지니고 있지만, 낯설다. 익숙한 얼굴이지만 어색한 표정을 지닌 채, 풍경은 기억 속 어딘가에서 당도할 수 없는 먼 거리에 있다. 이 지점에서 어제의 장면은 오늘이라는 현재의 순간에서 분리된다. 이 생경함은 우리가 이미지를 통해 마주하게 되는 또 다른 나를 설정하게 하고 흐르는 시간 선에서 기억과 기억의 사이 틈을 만들어낸다. 김승환 작가의 전시 'VHS_나를 찾아서'는 바로 이러한 거리감에 관한 질문에서 시작되었다. 사진이나 영상, 기록된 이미지들은 언제나 해당 순간을 붙들어 두는 듯 보이지만, 그것을 바라보는 오늘의 우리는 오히려 장면 속 주체와 멀어진다. 이 괴리는 디지털 시대로 전환되는 시점부터 극대화되었다. SNS나 클라우드, 실시간 영상 플랫폼에 업로드되는 우리의 일상은 더 이상 ‘기억하기 위해 남기는’ 행위가 아니라, ‘노출되고 소비되는’ 방식으로 존재하게 된다. 이는 기술적 변화가 아닌, 이미지가 작동하는 방식 자체의 구조적 전환이라고 볼 수 있다. 이제 오래된 과거가 아니더라도, 바로 어제, 그리고 얼마 지나지 않은 나의 모습들이 아득히 멀어지고 있다.

2    다시 1인칭

  ‘모아레(Moiré)’는 영상에서 발생하는 간섭무늬를 뜻한다. 겹친 두 개의 패턴이 서로 충돌하며 생기는 시각적 왜곡을 지칭한다, 김승환은 이 모아레를 하나의 감각적 은유로 끌어온다. 현실과 기억, 주체와 타자의 중첩된 인식 구조를 상징하는 도구로 활용한다. 이베이에서 구매한 VHS 테이프들 속에는 이름 없는 사람들의 일상, 기록되지 않은 사소한 사건, 의미 없는 장면들이 반복되고 있다. 그는 이 낡은 기록을 디지털로 전환하는 과정에서 시간의 층을 따라 영상의 이면을 쫓아간다. 오래된 비디오테이프의 물성은 해상도 높은 오늘의 영상 속에 여전히 거칠고 불분명한 질감으로 남아 있으며, 과거는 다시금 현재의 빈틈으로 침투한다. 이는 정보의 과잉을 넘어서 이미지의 유출로 야기되는 통제되지 않는 복제와 확산에 대한 비유이자 투영일 것이다. 초상권, 프라이버시, 노출과 감시, 김승환의 작업은 이미지의 윤리적 경계와 더불어, 시선이 갖는 권력, 그리고 소비되는 삶에 관한 질문을 제기하고 있다.

  이번 전시에서 의식주는 총 두 개의 공간으로 나뉜다. 작가가 수집한 VHS(비디오테이프)의 장면들을 디지털 영상으로 편집한 작업이 놓인 검은 장막 속 공간, 그리고 다른 한편에는 그 편집된 VHS 영상이 놓인 장소가 투사되는 불투명한 커튼이 옅은 이미지들을 재생한다. 편집본이 나열된 비디오 속 장면에는 작가가 이베이에서 수집한 영상들이 교차 편집되어 있다. 오랜 시간 속에서 변형되고 변질된 장면들, 다양한 국가와 인종의 일상이 뒤엉킨 장면들이 재생되고 있다. 해맑게 웃고 있는 소년, 놀이터의 아이들, 찡그린 얼굴을 한 있는 사람, 각자의 시간과 공간에서 여러 가지 사건과 사고가 만들어진다. 영상을 마주하면서 마주치는 이 낯선 타인의 모습에서 우리가 지니고 있었던 공동의 기억이 촉발된다. 태어남과 죽음을 가로지르는 삶의 과정, 그것은 거의 모든 이들이 겪어야 하는 시간의 굴레이자 통로가 드러나는 장소가 된다. 또 다른 편의 장소는 이 영상을 바라보는 관객이 위치한 공간을 관찰할 수 있게 한다. 자신이 있었던 공간, 그리고 그 틈을 뚫고 들어온 다른 관객, 혹은 장소는 1인칭과 3인칭 시점을 교차하게 한다. 그리고 이내 우리의 뒤편에 있을지도 모르는 누군가의 시선을, 누군가의 눈을 의식하게 하여 알 수 없는 불안과 마주하게 하고 있다.

3    연민과 의심

  김승환의 작업은 지나간 것들, 사라진 기록, 잊힌 장면들에 대한 탐구에서 시작된다. 그러나 그는 불특정한 과거를 회고하는 데 머무르지 않는다. 오히려 그가 주목하는 것은, 과거가 어떻게 ‘현재’를 구성하고, 그 흔적이 어떤 방식으로 우리에게 영향을 미치는가이다. 이는 단순한 회상의 논리가 아니라, 기억이 작동하는 방식에 대한 실천적 질문이 된다. VHS라는 매체는 디지털과는 다른 시간성을 품고 있다. 감기는 테이프, 재생 중의 잡음, 끊김과 겹침의 질감은 우리가 흔히 생각하는 ‘기록’의 개념을 어긋나게 한다. 그의 영상 작업은 고화질로 복원된 현재형이 아니라, 시간의 스크래치와 주름이 남아 있는 과거 완료형에 가깝다. 하지만 그 주름지고 빛바랜 이미지는 인간의 피부에 느껴지는 시간의 축적과 이야기를 함축한다. 그는 이러한 이미지를 통해 하나의 연대기를 구성한다. 그것은 누군가의 일기와 전기가 아닌, 모두의 삶에서 공통으로 나타나는 시간의 흐름, 사건의 흔적, 감정의 함축이다. 태어남과 죽음, 환희와 상실, 일상의 무수한 순간들이 편집되고 재조합되며 하나의 ‘비가시적 공동체’의 초상을 형성한다. 관객은 이 연대기의 일부로서, 각자의 기억을 작품 안에 투사하고 재구성하게 된다.

 작가 김승환은 이번 전시에서 잠시 묻혀있었던 질문을 꺼낸다. 얼마나 흘러가는 시간에 대해, 그리고 흔적과 잔상에 대해 되묻는다. 그는 사라져가는 것들 속에서 잊히지 않는 기억을 포착하고, 사적인 영상의 파편들로부터 공통의 감각을 끌어낸다. 이미지의 정치성과 기억의 윤리, 그리고 시간 속에 기거하는 우리 자신의 초상에 대해 연민의 시선과 의심의 눈길을 보내고 있다. 살갗과 살갗이 닿을 수 없는, 점차 서로의 거리가 멀어지는 우리 스스로에게, 무심히 지나치는 수많은 얼굴과 초상에 엮인 감정의 파편을 되새기게 한다. ‘나와 타자’, ‘과거와 현재’, ‘기억과 망각’ 사이의 틈을 들여다보게 하며, 사이를 유영하는 우리 모두의 불완전함을 응시하게 하고 있다.

1. Exposure

There are moments when, while tidying up an old dresser, we stumble upon a single long-lost photograph. The scene captured within the blurry edges and faded hues clearly belongs to the past, yet it feels strangely alien. The faces are familiar, but their expressions are awkward, and the landscape sits at an unbridgeable distance somewhere within the recesses of memory. At this juncture, the scene of yesterday becomes detached from the present moment of today. This sense of estrangement compels us to establish another version of the "self" encountered through the image, creating a fissure between memories along the flowing timeline.

Artist Kim Seung-hwan’s exhibition, VHS – Seeking You, begins with an inquiry into this very sense of distance. While photographs, videos, and recorded images always seem to anchor a specific moment, we who observe them today find ourselves drifting further away from the subjects within those scenes. This disparity has been maximized since the transition into the digital age. Our daily lives, uploaded to social media, clouds, and real-time video platforms, no longer exist as acts of "leaving a record to remember," but rather inhabit a mode of being that is "exposed and consumed." This is not merely a technical shift, but a structural transformation in the way images function. Now, even if it is not a distant past—even our likenesses from yesterday or a recent moment—are drifting into a remote distance.

2. Back to the First Person

"Moiré" refers to the interference patterns that occur in images. It designates a visual distortion created when two overlapping patterns collide. Kim Seung-hwan draws upon this Moiré as a sensory metaphor, utilizing it as a tool to symbolize the superimposed cognitive structures of reality and memory, and of the self and the other. Within the VHS tapes purchased on eBay, the daily lives of nameless people, unrecorded trivial events, and meaningless scenes repeat incessantly. In the process of converting these worn records into digital formats, Kim chases the "other side" of the video along the layers of time. The physical properties of the old videotape remain as a coarse and indistinct texture within today’s high-resolution video, allowing the past to once again infiltrate the gaps of the present. This serves as a metaphor and a projection of the uncontrolled replication and diffusion caused by the "leakage" of images beyond the mere surplus of information. Portraits, privacy, exposure, and surveillance—Kim’s work raises questions about the ethical boundaries of the image, the power inherent in the gaze, and the nature of a life that is consumed.

In this exhibition, the space of Uisikju is divided into two areas. One is a space shrouded in black curtains where digital edits of collected VHS scenes are displayed. On the other side, an opaque curtain projects dim images of the location where those edited VHS videos are placed. The edited video sequences feature cross-cut footage collected by the artist from eBay. Scenes transformed and distorted by the passage of time, where the daily lives of various nationalities and races are intertwined, are played back. A brightly smiling boy, children on a playground, a person with a grimacing face—various incidents and accidents are constructed across their respective times and spaces. Encountering these unfamiliar faces of others triggers a collective memory we all share. It becomes a place where the cycle of life, traversing birth and death—the yoke and passage of time that almost everyone must endure—is revealed.

The other space allows for the observation of the area where the audience viewing the video is located. The space where one stood, and the other spectators or the site that pierced through that gap, cause the first-person and third-person perspectives to intersect. Soon, it forces us to become conscious of someone’s gaze, someone’s eyes that might be behind us, bringing us face-to-face with an indefinable anxiety.

3. Compassion and Suspicion

Kim Seung-hwan’s work begins with an exploration of things gone by, vanished records, and forgotten scenes. However, he does not stop at reminiscing about an indeterminate past. Rather, he focuses on how the past constructs the "present" and in what ways those traces influence us. This is not a logic of simple recollection, but a practical question about how memory operates. The medium of VHS harbors a temporality different from digital. The winding tape, the noise during playback, and the textures of interruption and overlapping deviate from our conventional concept of "recording." His video work is not a present tense restored to high definition, but closer to a past perfect tense where the scratches and wrinkles of time remain. Yet, those wrinkled and faded images encapsulate the accumulation of time and stories felt upon human skin.

Through these images, he constructs a chronicle. It is not someone’s private diary or biography, but a flow of time, traces of events, and implications of emotions that appear commonly in everyone’s lives. Birth and death, joy and loss, and countless moments of daily life are edited and recombined to form a portrait of an "invisible community." As part of this chronicle, the audience projects and reconstructs their own memories within the work.

In this exhibition, artist Kim Seung-hwan brings forth questions that have been buried for a while. He asks again about the time that flows by, and about traces and afterimages. He captures unforgotten memories within disappearing things and draws a common sense from the fragments of private videos. He casts a gaze of compassion and a look of suspicion upon the politics of the image, the ethics of memory, and the portrait of our own selves residing within time. To us, whose physical reach is fading and whose distances from one another are gradually increasing, he makes us reflect on the fragments of emotion woven into the countless faces and portraits we pass by indifferently. He invites us to peer into the gaps between "the self and the other," "the past and the present," and "memory and oblivion," urging us to contemplate the imperfection of us all as we navigate the spaces in between.

나는 2012년부터 제주에 머물며,

그동안 해왔던 작업들을 작년 작은 전시회를 통해 보여주었다.

개발과 보존, 원주민과 이주민, 밀려오는 관광객들과 쌓여가는 쓰레기들 같은

모순된 상황들을 신화를 통해 들여다보았다.

현재의 상황들이 신화 속의 혼돈과 닮아있지 않을까, 라는 물음으로 시작된 작

업은 제주도의 본풀이라는 문화에서 잠시 머물러 본다.

섬을 오랫동안 지켜왔던 산, 숲, 바람, 바다 같은 자연들과, 그 속의 사람들.

그들의 삶과 함께 해온 이야기인 본풀이는 지금 현재도 진행 중이며, 앞으로도

이어져 나갈 가치가 높은 제주도의 유산이다.

이러한 본풀이를 직접 업으로 삼고 살아가는 심방들을 기록한다.

Having resided in Jeju since 2012, I presented the works I had developed during that time through a small exhibition last year. 

I have examined the contradictory realities of the island—development versus preservation, locals versus migrants, and the influx of tourists alongside mounting waste—through the lens of mythology. 

My work began with the question of whether our current situation resembles the chaos found in myths, leading me to pause and dwell within the Jeju culture of Bonpuri (origin myths of deities).

The nature that has long guarded the island—its mountains, forests, wind, and sea—and the people within it. Bonpuri, the stories that have coexisted with their lives, is a living heritage of Jeju that continues to this day and holds profound value for the future. 

I record the Simbang (shamans), those whose lifelong vocation is the practice and preservation of these origin myths.

Those weary of the tribulations of worldly life would find it worthwhile to visit Jeju Island at least once. Not only for its breathtaking natural scenery, but because eighteen thousand deities await to offer a warm embrace. If the winds of Jeju wash away the secular dust clinging to one’s body, these benevolent gods will soothe the exhausted hearts of the people.

The deities of Jeju love "flowers" and "peace." Having mostly been born as humans and elevated to godhood by the choice of the Supreme Deity, they are virtuous beings who spend their days and nights contemplating how to alleviate human suffering. Consequently, their stories overflow with "flowers."

In the "Seocheon Flower Garden," a realm situated between this world and the hereafter, colorful flowers bloom. When the deity of childbirth bestows a child upon a couple, she grants a "Flower of Life" (Saengbul-kkot) from this garden. To revive the dead, one must pluck a "Flower of Reincarnation" (Dohwansaeng-kkot) and place it upon their bones. Of course, there is also the "Flower of Evil Intent" (Sure-melmang-aksim-kkot), which can strike down the wicked instantly—for to bring peace to the world, it is sometimes necessary to weed out the evil. Though referred to as the mythology of Jeju, this is, in truth, the "Mythology of Korea."

Is it not said that true stories always remain on the periphery, dwelling with the ancient people who stayed in place? One might say that the gods who vanished from mainland Korea long ago have fortunately survived here in Jeju. In this desolate world, Jeju is the only special space where the gods can still find a home.

In the past, the trees, birds, and beasts of the forest spoke with humans and spirits; there was no distinction between them. It was, quite literally, chaos.

The present is not much different. Ancient trees that have guarded the mid-mountain regions (Jungsangan) for ages are being felled. Birds and beasts cannot find shade from the scorching midday sun or shelter from the night dew. Driven by speculation and development, humans are turning into monsters. Even now, at the land development sites in Gangjeong and Sinsan, two suns and two moons hang in the sky. One moon represents the desire to develop, while the other represents the desire to preserve. I do not judge which is right or wrong.

These two conflicting thoughts collide, writing a new mythology for Jeju. It is, once again, chaos. Within mythology, there resides a heart that respects life. All things, including humans, are equal. Humans and nature commune with one another. In myth, humans are grateful for nature's bounty; they do not revolt against or feel frustrated by nature's whims but accept them with humility. Amidst the wonders of nature, humans come to resemble nature itself. This is vastly different from the arrogance of modern civilized people who destroy the environment.

Civilization, in the process of destroying nature and myth, has even stripped away the humanity of modern people. To heal this world that has gone mad, we must return to myth.

사라지는 것에 대한 사진적 개입

1.

인간이 모두 사라진다면 어떻게 될까. 다른 존재들이 딱히 우리를 그리워하지는 않을 것이다. 고

압선에 부딪쳐 매년 5억 마리가 죽어간다는 새들이나, 상아를 노리는 밀렵꾼들에 의해 고작 150

년 만에 1000만 마리에서 50만 마리로 줄어들었다는 아프리카 코끼리들은 더더욱 그럴 것 같다.

아쉬워할 것들이 있다면 글쎄, 고작 도시의 구석구석에서 곁불을 쬐며 겨울나기를 한다는 바퀴벌

레들 정도일까.

부드러운 비가 올 거야 그리고 흙 내음도

또 들릴듯 말듯 소리 내며 선회하는 제비들도

밤에 노래하는 연못의 개구리들도

떨리는 흰색의 야생 자두나무들도 찾아올 거야

낮은 울타리 쇠줄에 앉아 변덕스럽게 휘파람 불며

울새들은 불타는 깃털로 갈아입을 테고

그리고 아무도 전쟁에 관해선 모를 거야 아무도

전쟁이 끝났는지 관심도 없겠지

아무도 상관 안 할 거야, 새도 나무도

마침내 인류가 절멸하더라도

그리고 새벽에 깨어났을 때 봄은

우리가 사라져 버렸는지도 알아차리지 못할 거야

몇 년 전 지구를 뒤덮은 바이러스로 인해 인간들이 자발적으로 집에 감금되었을 때, 세계 곳곳의

야생동물들은 자못 행복해 보였다. 영국 랭커셔의 도심에 산양들이 내려와 회전식 놀이기구를 타

며 신나게 놀았다. 사자들은 도로에 누워 낮잠을 잤고, 토끼들은 마을에 내려와 잡초들을 먹어치

웠고, 캥거루는 무리를 지어 마을 상점가를 기웃거렸다. 과학 저널리스트인 앨런 와이즈만은 < 인

간 없는 세상 >에서 인간이 사라진다면 바로 이튿날부터 자연이 우리의 흔적을 청소하기 시작할 것

이라고 썼다. 인간 따위에게는 아무런 미련이 없다는 듯이 그렇게.

2.

김승환은 제주의 자연에 대한 깊은 관심을 지니고 작업을 지속해 온 작가다. 범박하게 분류하자

면 제주에서 작업하는 이들은 대체로 4.3사건으로 상징되는 제주의 무거운 역사적 시간이나, 1만

1천여 신이 산다는 제주의 다채로운 신앙과 문화, 혹은 장대한 한라산과 거친 제주 바다로 대표되

는 독특한 자연 환경의 무게감에서 자유롭기 어렵다. 이 세 가지는 마치 큰 중력을 지닌 항성처럼

작가들의 작업을 끌어당기는 힘을 지니는 듯하다.

다시 한번 성급한 일반화의 위험을 무릅쓰고 말하자면, 전통적으로 자연을 찍는 사진가들

은 대체로 큰 판형의 카메라를 사용해서 자신이 보고 느낀 빛과 바람을 최대한 포착하려 한다. 현

실 세계의 자연이 지닌 압도적인 디테일을 담아내기에는 사진이라는 매체가 지닌 광학적 용량이

턱없이 부족하기 때문이다. 그렇기 때문에 그들은 여러 번 현장에 방문해서 다양한 시간대의 빛

을 사진으로 거듭 찍어내며, 그 과정에서 만들어낸 자신만의 독특한 시각과 색채, 질감은 경쟁을

위한 그들의 무기가 된다.

하지만 제주의 자연을 찍은 김승환의 흑백 사진은 적잖이 투박하고, 심지어는 조금쯤 모호

해 보인다. 그의 사진에는 빛과 바람의 미세한 떨림보다는, 대상 그 자체를 인화지에 마구 눌러 찍

은 듯한 둔탁한 존재감이 있다. 심지어 그 위에 스프레이로 거칠게 그려 넣은 X자 표식은 그가 일

반적인 자연 사진가들과는 다른 곳을 향한다는 것을 직설적으로 말해 준다.

김승환은 ‘카페놀(Caffenol)’이라는 독특한 기법을 사용한다. 이것은 일반적인 현상액

(developer) 대신 커피를 사용해서 흑백 필름을 현상하는 대체 기법이다. 그 원리는 대체로 이렇

다. 커피에 포함된 카페인이 환원제로 작용해서 흑백 필름의 은염을 금속 은으로 전환한다. 탄산

소다를 약간 첨가하여 알칼리 환경을 만들어서 커피가 제대로 작용할 수 있도록 돕고, 비타민C를

추가로 넣어 현상력을 보강한다. 잔여 은염을 씻어내는 고정액(fixer)으로는 소금물이나 아황산

나트륨을 주재료로 특수 제작한 친환경 고정액을 쓴다.

사진을 단지 이미지를 얻어내기 위한 행위로 정의한다면, 카페놀 현상이 지닌 장점은 찾아

보기 어렵다. 사진의 역사를 견인한 힘 중 하나는 분명 더 강렬하고 섬세한 이미지를 만들어내려

는 욕망이다. 카페놀로 만들어낸 김승환의 둔탁한 사진은, 그런 오래된 욕망과는 조금 동떨어진

곳에 있는 것처럼 보인다.

그가 이런 번거로운 과정을 감내하는 것은 환경을 덜 오염시키기 위해서다. 하지만 그것만

으로는 설득력이 부족하다. 인간은 생태계의 여느 최상위 포식자들과는 달리, 다른 생물들을 잔혹

하게 잡아먹을 뿐 아니라 그것을 지속시키는 시스템을 만들기 위해 자연을 자기 마음대로 주물러

개조하며, 그 과정에서 끝없는 부수적 피해를 양산한다. 예를 들어 바다 건너 후쿠시마에서 매일

수천 톤의 오염수가 버려지는 상황에서, 작가가 애써 고작 욕조 몇 개 분량의 폐현상액을 줄이는

것이 자연에게 과연 무슨 큰 도움이 되겠는가.

3.

사진에 찍힌 모든 것은 사라진다. 그러므로 대부분의 사진은 많든 적든 슬픔의 정서를 내포한다.

산맥이나 바다처럼 영원해 보이는 존재들을 찍은 사진 역시 크게 다르지 않다. 우리는 열역학 제2

법칙이 지배하는 우주에 살고 있다. 그러므로 우리는 한번 흘러간 강물에 다시 손을 담글 수 없으

며, 두 번의 동일한 빛과 바람을 맞으며 카메라를 들여다보는 것도 불가능하다.

따라서 사진을 바라보는 우리는 어떤 허무주의에 빠지게 되는 일이 잦다. 인간이 자연을 파

괴하는 것을 고작 카메라 한 대로 막을 수는 없으며, 설령 몇 번 지켜낸다고 해도 결국 이 시간은

사라질 것이므로. 렌즈를 통해 자연을 바라보았던 우리의 작은 기억들은 대단히 쉽게 바스러지고

말 것이다.

카페놀로 현상하여 소금물로 정착한 필름의 특성 중 하나는, 기성품 티오황산나트륨 정착

액으로 처리한 필름보다 보존성이 떨어진다는 점이다. 은염을 완전히 씻어내기 어렵기 때문에 필

름은 천천히 희뿌옇게 변한다. 김승환이 찍은 제주의 자연이 파괴되거나 사라져가는 것처럼. 김승

환이 스프레이 래커로 작품에 그려넣은 철거 표시의 공격적인 날카로움과 천천히 흐려질 그의 사

진은 직설적이지만 기묘한 대조를 이루는 듯하다.

작가 김승환은 무엇을 보았고, 또 무엇을 지키려는 것일까. 어쩌면 모든 작업들은 허무주의

와 싸우는 한 개인의 실존적 싸움일 수도 있다. 예를 들어 작가 김승환이 우직하게 진행하는 카페

놀 현상은, 실제적인 관점에서는 그리 큰 효과를 지니지 못할지도 모른다. 하지만 문제는 효과가

아니라 개입 그 자체다. 1880년대부터 기업에 의해 대량 생산된 흑백 필름의 화학적 프로세스를

인스턴트 커피나 소금물 같은 것으로 개입하여 교란할 수 있다는 것은 흥미로운 일이다. 한때 엄

청난 사업적 이윤을 가져왔던 흑백 필름 산업 자체가 사라져 버릴 수도 있다는 이중적인 역설을

지니게 된 요즈음으로서는 더더욱 그렇다.

오늘날 우리를 둘러싼 모든 것들은 마치 표류하고 있는 듯하다. 그것들 중 어떤 것은 잠깐

정착되어 머무르지만, 다시 희뿌옇게 사라진다. 사진도, 자연도, 그리고 빛과 바람 모두가 그렇다.

언젠가 우리가 사라졌을 때 아주 약간의 아쉬움이라도 남기 원한다면, 우리 역시 사라지는 것들에

대해 연민을 지닌 채 어떤 것이든 시도해야 할 것이다. 제주의 자연을 바라보며 불안해하고 아쉬

워하는 작가 김승환의 작은 사진적 실천처럼.

Photographic Intervention into Vanishing Things

1. What would happen if all humans disappeared? Other beings likely wouldn't miss us much. This would be especially true for the birds, five hundred million of whom reportedly die each year from colliding with high-voltage power lines, or the African elephants, whose numbers plummeted from ten million to five hundred thousand in just 150 years due to poachers seeking ivory. If anything were to feel regret, perhaps it would only be the cockroaches surviving winter by huddling near the warmth of city corners.

There will come soft rains and the smell of the ground, And swallows circling with their shimmering sound; And frogs in the pools singing at night, And wild plum trees in tremulous white; Robins will wear their feathery fire, Whistling their whims on a low fence-wire; And not one will know of the war, not one Will care at last when it is done. Not one would mind, neither bird nor tree, If mankind perished utterly; And Spring herself, when she woke at dawn, Would scarcely know that we were gone.

When humans were voluntarily confined to their homes due to the virus that covered the globe a few years ago, wild animals everywhere seemed quite happy. In downtown Lancashire, England, wild goats came down to play on a merry-go-round. Lions napped on the roads, rabbits ate weeds in villages, and kangaroos wandered in groups through shopping districts. In The World Without Us, science journalist Alan Weisman wrote that if humans vanished, nature would begin cleaning up our traces the very next day. As if it had no lingering attachment to our kind.

2. Kim Seung-hwan is an artist who has consistently worked with a deep interest in the nature of Jeju. Roughly categorized, those working in Jeju find it difficult to escape the weight of three things: the heavy historical time of Jeju symbolized by the April 3 Incident, the diverse faiths and cultures where 18,000 deities are said to reside, or the formidable natural environment represented by the majestic Hallasan Mountain and the rough Jeju sea. These three elements act like stars with immense gravity, pulling the work of artists toward them.

Risking the danger of overgeneralization once more, traditional nature photographers often use large-format cameras to capture the light and wind they see and feel as much as possible. This is because the optical capacity of the photographic medium is vastly insufficient to contain the overwhelming details of nature in the real world. Thus, they visit sites repeatedly to capture light at different times, and the unique perspectives, colors, and textures they create in the process become their weapons for competition.

However, Kim Seung-hwan’s black-and-white photographs of Jeju’s nature are somewhat crude and even appear a bit ambiguous. Instead of the minute tremors of light and wind, his photos possess a blunt presence, as if the subjects were pressed forcibly onto the photographic paper. Furthermore, the "X" marks crudely drawn with spray paint on top of them directly signal that he is headed in a different direction than conventional nature photographers.

Kim Seung-hwan utilizes a unique technique called "Caffenol." This is an alternative process that uses coffee instead of standard developer to process black-and-white film. The principle is roughly this: the caffeine in coffee acts as a reducing agent, converting the silver halides in the film into metallic silver. A bit of washing soda is added to create an alkaline environment for the coffee to work properly, and Vitamin C is added to boost the developing power. For the fixer, which washes away residual silver halides, he uses an eco-friendly fixer specially made with saltwater or sodium sulfite as the main ingredients.

If photography is defined merely as the act of obtaining an image, the advantages of Caffenol development are hard to find. One of the forces that has driven the history of photography is surely the desire to create more intense and delicate images. Kim Seung-hwan’s blunt photographs made with Caffenol seem to stand apart from such long-standing desires.

He endures this cumbersome process to pollute the environment less. However, that alone lacks persuasive power. Unlike other apex predators in the ecosystem, humans not only cruelly prey on other creatures but also reshape nature at will to create systems that sustain this dominance, producing endless collateral damage in the process. For example, while thousands of tons of contaminated water are dumped into the ocean daily in Fukushima across the sea, what significant help could an artist’s effort to reduce just a few bathtubs’ worth of waste developer truly be to nature?

3. Everything captured in a photograph vanishes. Therefore, most photographs contain, to some degree, a sense of sorrow. Photographs of beings that seem eternal, like mountain ranges or the sea, are not much different. We live in a universe governed by the second law of thermodynamics. Thus, we cannot dip our hands into the same river twice, nor is it possible to look into a camera while experiencing the exact same light and wind again.

Consequently, we who look at photographs often fall into a kind of nihilism—realizing that human destruction of nature cannot be stopped with a single camera, and even if protected a few times, this time will eventually disappear. Our small memories of gazing at nature through a lens will crumble quite easily.

One characteristic of film developed with Caffenol and fixed with saltwater is that its archival stability is lower than that of film treated with commercial sodium thiosulfate fixers. Because it is difficult to wash away the silver halides completely, the film slowly turns cloudy and white. Just as the nature of Jeju captured by Kim Seung-hwan is being destroyed or vanishing. The aggressive sharpness of the demolition marks Kim has sprayed on his work seems to create a blunt yet strange contrast with his photographs that will slowly fade away.

What did artist Kim Seung-hwan see, and what is he trying to protect? Perhaps all works are an individual's existential struggle against nihilism. For instance, the Caffenol process that Kim Seung-hwan stubbornly pursues might not have a great effect from a practical standpoint. However, the issue is not the effect, but the intervention itself. It is intriguing that one can intervene in and disrupt the chemical process of black-and-white film, mass-produced by corporations since the 1880s, using things like instant coffee or saltwater. This is especially true nowadays, given the dual paradox that the black-and-white film industry itself, which once brought immense commercial profit, might disappear altogether.

Today, everything surrounding us seems to be drifting. Some of these things settle and stay for a moment, only to vanish into a white haze again. This is true for photography, nature, and both light and wind. If we want even a slight sense of regret to remain when we eventually vanish, we, too, must attempt anything while holding compassion for vanishing things. Just like artist Kim Seung-hwan’s small photographic practice as he gazes at the nature of Jeju with anxiety and longing.

Photographic Intervention into Vanishing Things

1. What would happen if all humans disappeared? Other beings likely wouldn't miss us much. This would be especially true for the birds, five hundred million of whom reportedly die each year from colliding with high-voltage power lines, or the African elephants, whose numbers plummeted from ten million to five hundred thousand in just 150 years due to poachers seeking ivory. If anything were to feel regret, perhaps it would only be the cockroaches surviving winter by huddling near the warmth of city corners.

There will come soft rains and the smell of the ground, And swallows circling with their shimmering sound; And frogs in the pools singing at night, And wild plum trees in tremulous white; Robins will wear their feathery fire, Whistling their whims on a low fence-wire; And not one will know of the war, not one Will care at last when it is done. Not one would mind, neither bird nor tree, If mankind perished utterly; And Spring herself, when she woke at dawn, Would scarcely know that we were gone.

When humans were voluntarily confined to their homes due to the virus that covered the globe a few years ago, wild animals everywhere seemed quite happy. In downtown Lancashire, England, wild goats came down to play on a merry-go-round. Lions napped on the roads, rabbits ate weeds in villages, and kangaroos wandered in groups through shopping districts. In The World Without Us, science journalist Alan Weisman wrote that if humans vanished, nature would begin cleaning up our traces the very next day. As if it had no lingering attachment to our kind.

2. Kim Seung-hwan is an artist who has consistently worked with a deep interest in the nature of Jeju. Roughly categorized, those working in Jeju find it difficult to escape the weight of three things: the heavy historical time of Jeju symbolized by the April 3 Incident, the diverse faiths and cultures where 18,000 deities are said to reside, or the formidable natural environment represented by the majestic Hallasan Mountain and the rough Jeju sea. These three elements act like stars with immense gravity, pulling the work of artists toward them.

Risking the danger of overgeneralization once more, traditional nature photographers often use large-format cameras to capture the light and wind they see and feel as much as possible. This is because the optical capacity of the photographic medium is vastly insufficient to contain the overwhelming details of nature in the real world. Thus, they visit sites repeatedly to capture light at different times, and the unique perspectives, colors, and textures they create in the process become their weapons for competition.

However, Kim Seung-hwan’s black-and-white photographs of Jeju’s nature are somewhat crude and even appear a bit ambiguous. Instead of the minute tremors of light and wind, his photos possess a blunt presence, as if the subjects were pressed forcibly onto the photographic paper. Furthermore, the "X" marks crudely drawn with spray paint on top of them directly signal that he is headed in a different direction than conventional nature photographers.

Kim Seung-hwan utilizes a unique technique called "Caffenol." This is an alternative process that uses coffee instead of standard developer to process black-and-white film. The principle is roughly this: the caffeine in coffee acts as a reducing agent, converting the silver halides in the film into metallic silver. A bit of washing soda is added to create an alkaline environment for the coffee to work properly, and Vitamin C is added to boost the developing power. For the fixer, which washes away residual silver halides, he uses an eco-friendly fixer specially made with saltwater or sodium sulfite as the main ingredients.

If photography is defined merely as the act of obtaining an image, the advantages of Caffenol development are hard to find. One of the forces that has driven the history of photography is surely the desire to create more intense and delicate images. Kim Seung-hwan’s blunt photographs made with Caffenol seem to stand apart from such long-standing desires.

He endures this cumbersome process to pollute the environment less. However, that alone lacks persuasive power. Unlike other apex predators in the ecosystem, humans not only cruelly prey on other creatures but also reshape nature at will to create systems that sustain this dominance, producing endless collateral damage in the process. For example, while thousands of tons of contaminated water are dumped into the ocean daily in Fukushima across the sea, what significant help could an artist’s effort to reduce just a few bathtubs’ worth of waste developer truly be to nature?

3. Everything captured in a photograph vanishes. Therefore, most photographs contain, to some degree, a sense of sorrow. Photographs of beings that seem eternal, like mountain ranges or the sea, are not much different. We live in a universe governed by the second law of thermodynamics. Thus, we cannot dip our hands into the same river twice, nor is it possible to look into a camera while experiencing the exact same light and wind again.

Consequently, we who look at photographs often fall into a kind of nihilism—realizing that human destruction of nature cannot be stopped with a single camera, and even if protected a few times, this time will eventually disappear. Our small memories of gazing at nature through a lens will crumble quite easily.

One characteristic of film developed with Caffenol and fixed with saltwater is that its archival stability is lower than that of film treated with commercial sodium thiosulfate fixers. Because it is difficult to wash away the silver halides completely, the film slowly turns cloudy and white. Just as the nature of Jeju captured by Kim Seung-hwan is being destroyed or vanishing. The aggressive sharpness of the demolition marks Kim has sprayed on his work seems to create a blunt yet strange contrast with his photographs that will slowly fade away.

What did artist Kim Seung-hwan see, and what is he trying to protect? Perhaps all works are an individual's existential struggle against nihilism. For instance, the Caffenol process that Kim Seung-hwan stubbornly pursues might not have a great effect from a practical standpoint. However, the issue is not the effect, but the intervention itself. It is intriguing that one can intervene in and disrupt the chemical process of black-and-white film, mass-produced by corporations since the 1880s, using things like instant coffee or saltwater. This is especially true nowadays, given the dual paradox that the black-and-white film industry itself, which once brought immense commercial profit, might disappear altogether.

Today, everything surrounding us seems to be drifting. Some of these things settle and stay for a moment, only to vanish into a white haze again. This is true for photography, nature, and both light and wind. If we want even a slight sense of regret to remain when we eventually vanish, we, too, must attempt anything while holding compassion for vanishing things. Just like artist Kim Seung-hwan’s small photographic practice as he gazes at the nature of Jeju with anxiety and longing.

'이만큼'의 절망과 '이만큼'의 희망: 김승환의 '이추룩'

미래는 주어지는가, 만드는 것인가? 미래는 바뀔 수 있는가? 아마도 김승환은 미래는 한 발짝 한 발짝 만들어 나가는 것이라고 답할 것이다. 그는 제주에 살면서 경험한 삶과 자연을 예술의 창작 동기로 삼는데, 특히 작업에 환경이 오염된 현실에서 우리가 어떤 방향성을 가져야 할지 보여주는 삶의 태도를 담는 것이 인상적이다. 이번 전시에서는 환경과 예술에 관한 태도가 강하게 담긴 단편영화 < 이추룩 썬샤인(It's look sunshine) >과 퍼포먼스의 몸짓과 불의 상징성을 결합하여 생태적인 삶의 필요성을 표출한 무빙이미지 〈불의 발견(Discovering of Fire)〉, 그리고 영상 작업을 다른 방식으로 이해할 수 있는 아카이브 작업 등을 선보인다.

〈이추룩 썬샤인〉은 쿠알라룸푸르 국제환경영화제에서 단편부문 베스트상을 수상하고, 해외영화제 45곳에 연이어 초청될 정도로 많은 사람에게 호평받은 단편 극영화다. 이 영화는 제목이 인상적인데, 특히 '이추룩'이 눈에 띈다. 영어 제목인 It's look sunshine(이렇게 눈이 부시다)에서 'It's look'을 소리 나는 대로 적은 것처럼 보이는 '이추룩'은 사실 제주 방언으로, '이만큼'이란 뜻이다. 김승환은 "이미 우리의 행동으로 인해 끔찍하고 돌이킬 수 없는 상황을 마주하고 있다"라고 했는데(연출의도), 여기서 '이양큼'은 환경오염이 '이만큼' 와있다는 부정적인 의미로 볼 수도 있고, 뒤의 '썬샤인(햇살)'을 붙여 아직 '이만큼의 햇살(희망)'이 존재한다는 긍정적인 의미로도 해석할 수 있다.

내용에는 '이만큼'의 절망과 '이만큼'의 희망이 공존한다. 영화에서 해녀인 영은의 엄마가 폐그물에 발목이 감겨 목숨을 잃은 사건은 해양오염이 우리 삶 위로 죽음의 그림자를 드리우고 있다는 사실을 깨닫게 한다. 동시에 가능성도 보여준다. 커피 가루, 워싱 소다, 비타민 C 등을 사용하는 친환경 사진 현상법, 해변을 청소하는 비치코밍(Beach Combing), 플라스틱병으로 배를 만들어 태평양을 건너는 도전, 그리고 산호 보호를 위한 산호 뜨개(Coral Knitting) 환상 장면 등은 지금보다 좋아질 미래를 기대하게 한다.

함께 전시된 〈불의 발견〉은 팬데믹으로 실내 공연을 하지 못했던 퍼포머의 몸짓과 인류를 발전시킨 불의 상징성을 결합해 "다시 새로운 불을 발견해야 한다"는 메시지를 담고 있다. 작가는 이 새로운 불이 미래 세대에 전해 줄 '생태적인 삶'이나 '새로운 면역 체계', 혹은 '원시적인 삶'일 수도 있다고 말한다. 김승환은 반복되는 일상 속 사소한 변화만으로도 미래가 바뀔 수 있음을 일깨워 준다.

"This much despair and this much hope: Kim Seung-hwan's 'Ichuruk'"

Is the future a given or something you make? Can the future change? Kim Seung-hwan would probably answer that the future is all about building it one step at a time. He uses the life and nature he experienced while living in Jeju as his motivation for creating art. His work is especially impressive because it contains his attitude toward life, showing the direction we should take in a reality where the environment is polluted.

The following works are showcased in this exhibition: A short film with a strong stance on the environment and art, ; the moving image  combining the gestures of performance and the symbolism of fire to express the necessity of an ecological life; and archives offering a different way to understand his video work.

 won the Best Short Film award at the Kuala Lumpur International Eco Film Festival. It is a short film that was so well-acclaimed by many people that it was invited to 13 overseas film festivals in succession. The movie has a catchy title, especially 'Ichuruk'. Ichuruk appears to be written by sounding out its English title 'It's Look' from It's Look Sunshine.

'Ichuruk' is actually a Jeju dialect word, meaning "this much." Kim Seung-hwan said his directing intention was, "We are already facing a terrible and irreversible situation due to our actions." Here, 'this much' can be interpreted in a negative sense that there is 'this much' environmental pollution, or in a positive sense that there is still 'this much' sunshine (hope) by adding 'sunshine' after it. Of course, introducing the film, he said, "I made the title because I want people to feel the Jeju language in their mouths." Nevertheless, the title considers both meanings because a 'this much' of despair and a 'this much' of hope coexist in the content.

In the movie, there was an incident where Young-eun's mother, a skilled diver (Haenyeo), lost her life due to being trapped in a discarded net (environmental pollution) while doing Mul-jil (going into the sea to harvest seafood). Through this incident, we realize that marine pollution is casting the shadow of death over our lives. (It has come 'as this much.') It shows a possibility at the same time. Young-eun develops photos by an eco-friendly method that uses coffee powder, washing soda, vitamin C powder, and seawater instead of conventional chemicals. Seung-hwan cleans the beach and upcycles the collected recyclable waste, and he collects plastic bottles to build a boat and eventually succeeds in crossing the Pacific Ocean.

Young-eun's mother, who loved hand-knitting, appears in a fantasy scene swimming over corals covered in colorful hand-knitting. Coral knitting is a movement to protect the marine environment as part of a message emphasizing coral conservation. These scenes make us look forward to a future that will be better than the present. (This much [Ichuruk] sunshine)

What the movie shows is the change that small actions can bring: Beach Combing to reduce marine pollution even to a small extent, use of eco-friendly photographic development methods, a boat made from plastic bottles, and coral knitting to show awareness of and inform the seriousness of environmental pollution. The movie also doesn't forget the negativity of trivial actions. The ending credit at the end is actual footage shot in the real world, showing how minor actions affect the ocean: an Australian sea lion eating a foil bag, a plastic bag floating like a fish among fish, a crab trapped in a transparent plastic cup, a seahorse trapped in a plastic bag, etc. These videos clearly show the environmental impact of disposable items we so easily use and throw away. It even makes us realize that the environment can change just by not throwing away disposable products mindlessly. "If we do not change our trivial lifestyles, we will lose the beauty and power of the sea," said Kim Seung-hwan. (Directing intention)

The accompanying work, , shows a performer who was unable to perform indoors due to the COVID-19 pandemic performing in nature. The figure of the performer is symbolically combined with the discovery of fire, which propelled mankind forward, to convey the message: "We need to find a new fire again." (Artist's Note) He says that this new fire could be an ecological life to be passed on to future generations, a 'new antiviral immune system,' or a primitive life that goes back to the past. (Artist's Note) It is interesting that this work was released online during the pandemic, when indoor performances and exhibitions were difficult to be held. Additionally, he produced it in the form of a music video, taking into account the nature of online access by an unspecified number of people.

Through his work, he suggests that living a life of repetition with no thought and only the convenience of the status quo will eventually lead to a bleak future. It also reminds us that small changes in our daily routines can change the future.